Detrás de cada canción que se queda pegada hay alguien que cuida el sonido, y en el caso de Carin León esa persona es Orlando Aispuro, guitarrista y productor originario de Hermosillo, Sonora. Trabajan juntos desde 2021 y han construido una propuesta que lleva la música regional mexicana hacia las baladas románticas, con arreglos más orgánicos y una estructura de pop.
Platicamos con él sobre el proceso creativo de esa canción, la evolución del sonido de Carin, cómo mantener la esencia mexicana en una industria que cambia rápido y cómo sus raíces norteñas y su vida de fe influyen en lo que hace en el estudio. También habló de su nueva etapa como papá y del artista con quien le habría gustado trabajar.
¿Qué recuerdas del proceso creativo de la canción de Carin León nominada a Grabación del Año y por qué conectó con el público?
Híjole, yo creo que lo principal, obviamente, cuando yo trabajo en producciones de este tipo con Carin, primero que nada, es que la canción hable por sí sola, ¿no? Desde que escuchamos la primera idea que nos mandó Luis Mejía, que es el compositor, que es originario de Mochis, conectamos con la canción y dijimos: qué bonita, o sea, qué perra rola, que se la puedes dedicar a tu pareja, a tu hija, o sea, no necesariamente era como algo muy específico, y empezamos a notar que la gente empezó a conectar antes de que saliera la canción, ¿no? A plataformas y la gente cercana a nosotros, la familia, como que: ah, qué bonita canción, que suena a lo de antes de Carin, que veníamos trabajando desde hace, yo creo que 2021, empezamos a trabajar juntos, y muchos de esos temas más románticos o más melancólicos, por así decirlos, ¿no?
Y en tema de producción, yo creo que me fui por algo muy tradicional en el sentido de instrumentos, ¿no? Yo pensaba que la canción no necesitaba una gran producción para transmitir el mensaje que ya tenía desde la composición, y creo que se logró algo muy bonito haciéndolo de una manera muy orgánica, acústica. Me acuerdo de las referencias que estaba escuchando yo en ese momento para la canción, para llevar a cabo la producción, era, no sé si te acuerdas, la canción de “A Thousand Years” de Christina Perri, que es un tema muy comercial, muy romántico. Creo que esa instrumentación, pues, bueno, esa canción fue la inspiración para la instrumentación, ¿no? Y cuando entramos al estudio ya llevábamos ese mindset de trabajar cosas sencillas, nada flashy, nada de querer apantallar musicalmente, simplemente acompañar la melodía y la letra que ya tenía en su natural, en su naturaleza, esa es.
¿Cómo describirías la evolución del sonido de Carin León y cuál ha sido tu aportación a esa identidad?
Pues es una, fue una dinámica muy bonita y mental al principio, ¿no? Él venía de un género, y sigue estando en el género del regional mexicano, muy marcado, pero antes de que yo entrara a la ecuación creo que era muy, muy tradicional, ¿no? Sin experimento. Hice la arquitectura pop, ¿no?
Que era como esta estructura de la canción que te lleva, que tiene varios versos, que los instrumentos son diferentes, y creo que empataron muy bien. Se hizo un experimento, el primer disco que se llamó Inédito, donde viene una canción que se llama “¿Qué más puedo pedir?”. También que en su momento le fue muy bien a Carin con ese tema.
Fue la única balada del disco que tenía batería y piano y guitarras acústicas y guitarra eléctrica, como fuera del mundo del regional mexicano, ¿no?, que no se usa comúnmente, y le fue súper bien, y era como un bonus track. O sea, lo metimos como: a ver qué pasa, a ver si conecta.
Un tema súper romántico, la gente empezó a identificarlo, a dedicarlo mucho, y pues dijimos, como que a lo mejor hay un vacío que estaría padre explorar, ¿no? En la música mexicana, que siento que, pues, baladas románticas siempre ha habido, pero en esos últimos años, pospandemia o en la pandemia, como que la música evolucionó muy rápido, ¿no? Y todo este pop del 2015 al 2020 como que, como que, no sé, como que estuvo en un limbo un tiempo, y creo que Carin aprovechó eso para hacerse un gran exponente de eso, ¿no?
De baladas románticas con experimento, y pues yo dije: encantado, porque era más lo que a mí me gustaba, ¿no? Yo crecí escuchando eso, también música cristiana, como que más espiritual el approach o, sí, la audiencia, ¿no? Como que tratar de emocionar, ¿no?
No nomás cantar de, no sé, como los corridos o como la música típica mexicana o mariachi, como que quisimos explorar ese lado romántico también, y creo que funcionó bastante bien. Y pues la voz de Carin, ni se diga, ¿no?
¿Cómo logran experimentar y evolucionar sin perder la esencia de la música mexicana?
Es un gran reto, ¿no? Y todos los días estamos cuidadosos de eso, de tampoco irnos al extremo, de hacer nada más lo que nos plazca, ¿no? Es lo que nuestro ego quiera, ¿sabes?
O nuestro orgullo, y yo creo que es escuchar, estar escuchando mucha música, pero yo pienso que ya todo está creado, ¿no? O sea, como que es complejo decir que tienes el hilo negro de algo nuevo, ¿no? Y de inventar un género como tal o así, creo que muy pocos hoy en día lo han hecho.
Yo creo que, pues, Nata fue uno aquí en Hermosillo de los que creó cosas nuevas y lo hizo muy bien, pero yo creo que lo de Carin no es nada nuevo, simplemente fue tomar lo que es atemporal para nosotros, que es la música. Para mí la música atemporal es la balada romántica, el country, el rock, la balada pop. Creo que buscar esos elementos con letras modernas o con estructuras más cortas, yo creo que ahí fue la clave, ¿no? Porque una canción de cuatro minutos y medio ahorita ya no funciona, o sea, ya nuestra capacidad de retención es mucho menor que hace años, ¿no?
Y la música es muy diferente, o sea, tiene que llegar al coro antes del minuto, tiene que tener los menos espacios muertos posibles, y creo que tratar de buscar esas tendencias nuevas, pero con el sonido atemporal, ¿no?, que siempre nos va a emocionar, no sé, una balada, una balada en inglés. Creo que eso es un referente hasta el día de hoy en cuestión de calidad musical y calidad sonora y de ingeniería, ¿no?, que es algo que hacemos aquí en Hermosillo, en nuestro estudio, nos enfocamos e invertimos muchísimo en los equipos para lograr esos sonidos. No está tan fácil y cuesta mucha inversión, y a lo mejor se puede ir por el lado de ese romanticismo de que no se necesita tanto para sonar de calidad, y en parte tienes razón, pero la manera en que te inspiran ciertos equipos analógicos y ciertos instrumentos, eso nunca va a ser de moda, ¿no? Y en 100 años va a seguir siendo artesanal y va a seguir siendo romántico, yo creo que eso es la clave en nuestro sonido y nuestra identidad, ¿no?
También conocer nuestra identidad, lo que nos apasiona, por qué hacemos música, son un conjunto de factores que estamos muy conscientes de ello y trabajamos muy intencionalmente en eso, pero sabemos que la industria está cambiando muy rápido, ya es toda la inteligencia artificial, que todo mundo hace música con inteligencia artificial ahora porque no quieren batallar, y a mí se me hace muy bonito, o sea, yo siento que todo lo que vale la pena en la vida muchas veces es muy difícil y cuesta mucho trabajo, y la verdad yo creo que si estamos conscientes de eso aquí en nuestro estudio, yo creo que, pues, espero que tengamos trabajo toda la vida, ¿no? Y poder hacer esta música tan bella, ¿no?
Eres originario del norte: ¿cómo han influido tus raíces y tu infancia en tu forma de entender y producir música?
Muchísimo. Es curioso, aquí en Hermosillo, que estamos muy cerca de la frontera, entonces hay mucha música regional mexicana, pero también hay mucha música americana, mucho inglés, mucha cultura americana, y creo que también británica, obviamente, mucho fan aquí de la música británica, y creo que eso influye bastante en lo que le gusta a la gente, a los artistas emergentes de acá. Es una mezcla curiosa entre música americana y música mexicana, ¿no?
Que siento que van de la mano el country con el regional mexicano, creo que tienen muchas similitudes, ¿no? Es mucho contar historias, es prácticamente lo mismo. Obviamente, el idioma es una barrera que, pues, aún no sé, yo, difícilmente se va a romper, pero la música tiene su propio idioma, ¿no? Y creo que si la gente muchas veces no entiende lo que está diciendo, pero la emociona, y creo que eso es algo muy importante, tratar de emocionar con la música, con la instrumentación, eso es clave.
Yo crecí en la iglesia cristiana desde niño, desde que tengo memoria, y pues imagínate, estaba en constante interacción con la música todos los días y todos los domingos, y era colectivo, ¿sabes? Estar cantando con mucha gente y tocar, y eso también me fue formando mucho, como ver la música. Siempre la he visto como una ofrenda hacia Dios, o sea, como una adoración, y eso, según yo, me ha hecho mucho más sensible a saber para dónde va dirigida la canción, ¿no? La energía de la canción.
Es algo complejo, pero muy lindo, y que agradezco mucho de mis raíces de aquí, de Hermosillo, y de la fe también, música de fe. Creo que ha sido fundamental en mi desarrollo y en cómo me desenvuelvo en el estudio, en la grabación.
¿Qué es lo que más disfrutas de estar detrás de una canción y qué parte de ti queda plasmada en cada producción?
Lo que más disfruto es cuando el demo, o cuando, muchas veces me ha tocado estar en las, desde que no existe ni una idea, y tenemos que crear desde cero, ¿no? Pero últimamente he estado, recientemente soy padre y tengo mi tiempo un poquito más reducido, y estoy disfrutando mucho de esta etapa. Estas últimas canciones, o esta última como racha de trabajo, ha sido mucho disfrutar el demo, ¿no?
Cuando llega la canción, ver a ver qué puedo aportar aquí, qué puedo, porque yo no soy el artista, realmente, no, yo soy como un guía para el artista, ¿no?, de lo que quiere llegar a sonar, y el artista me deja una libertad, me da una libertad creativa, en ocasiones muy sin límites, pero a veces también muy limitada, ¿no? Que yo tengo la idea y quiero así, así, bueno, pues ahí es cuando, cuando se puede decir que disfruto un poquito menos, ¿no?
Cuando me ponen mis límites, y obviamente tienes que tener un discernimiento, una conciencia de decir: ok, esto es mucho, no puedo nomás plasmar mis ideas, el artista es el que tiene que brillar, no yo, sí, eso siempre, ¿no? Y eso disfruto mucho, o sea, estar en el estudio, armar la batería, poner los micrófonos, abrir la sesión en la computadora y empezar a trabajar, a grabar guitarras. Yo soy guitarrista, entonces grabar guitarras para mí es clave, ¿no? Aquí en mi estudio tengo todas las guitarras que necesito, gracias a Dios, y es explorar, empezar a meter diferentes tipos de colores: esta guitarra me gusta para esta canción, esta otra para la otra. Eso es lo que más disfruto, ¿no?
Ya cuando sale la canción, pues ya la escuchamos tantas veces que a veces ya ni la escuchamos cuando sale, o le damos un break, un tiempo para descansar los oídos, pero definitivamente gran parte de nuestra recompensa es el disfrutar hacer lo que hacemos, ¿no? Y amar el estudio, llegar aquí, eso es fundamental. Antes me desvelaba mucho en el estudio, ahorita ya tengo años que no lo puedo hacer, pero sí, literalmente es lo que más me gusta, estar aquí en el estudio.
¿Dirías que disfrutas más el proceso que el resultado final?
Sí, el proceso a mí me mata, es más increíble estar en el proceso.
Si pudieras trabajar en una canción con cualquier artista, sin importar el género ni la época, ¿a quién elegirías y qué canción te gustaría hacer?
Híjole, qué buena pregunta. Hay muchas, muchas grandes bandas que me gustan, pero yo creo que me hubiera gustado a mí, a ver, a ver, o sea, me hubiera gustado explorar los noventas, ¿no? Como este tipo de bandas como Oasis, yo creo que me hubiera gustado mucho hacer este tipo de baladas como, híjole, “Champagne Supernova”, o sea, ese tipo de canciones que tenían mucha energía, pues, eran lentas, eran baladas.
Creo que me hubiera gustado mucho haber estado en esa época, ¿no?, en los noventas o a finales de los ochentas. También con música americana, también me hubiera gustado mucho.
